Microcentro y los trajes...

Al pasar por microcentro...

Juego a ver quién es quién entre los trajeados;

es decir "Quién lleva mejor el traje".

Asumimos que el concepto "trajeado" abarca desde un cadete hasta un gerente, por lo menos. Entonces, ¿¿Quién es quién??

Afortunadamente, mi condición de machoargentino hace que conozca poco de telas, y -si bien a veces la calidad de los trajes delata por sí sola la condición del portador- es más interesante fijarse CóMO LO LLEVAN,

sin caer en la obviedad de que a algunos cadetes les queda

directamente grande el traje, de tamaño, grande, así, arrugado,

es también notable que quienes no están muy amigados con esa prenda caminan rígidamente, o adoptan una cierta actitud corporal otra que la propia de los que más relajadamente, con una postura recta que dista de la rigidez, se sienten DUEÑOS del traje,

éstos a su vez se diferencian de los que -de igual edad adulta- llevan tanto al traje como a la oficina como CARGAS, O MOLESTIAS habituales; sin la rigidez del Nene ni la elegancia del Señor.

Es un tema que hace años me llama la atención, y he investigado también en una ocasión como se camina distinto en una avenida, una plaza, y una calle de menor tránsito, etc, etc...

Si el actor se pone un Traje para actuar de empresario, la investigación sociológica puede ser una de las herramientas para que no lo lleve como un empleado...

¿¿CUÁNTAS VECES VEMOS UN OBRERO CON CASCO EN TV Y NOS DAMOS CUENTA QUE NUNCA EN SU VIDA AGARRÓ UNA PALA??

Si el ACTOR SOCIAL se siente incómodo en su traje, Socioanálicese!!

Lo concreto y lo abstracto

analizando actores componiendo personajes llegué a creer que el actor NO DEBÍA SABER lo que estaba haciendo,

es decir, que no debía conceptualizar y así no caería en un estereotipo,

POR EJEMPLO: UNA MUJER ENCORVADA QUE GRITA DISFÓNICAMENTE MARCANDO UN RECORRIDO ANDANTE INCIERTO ERA EFECTIVA hasta que la intérprete y el director dijeron que era una vieja que caminaba en círculos... y pasó a ser simplemente eso; una vieja que caminaba en círculos. cuando la actriz se concentraba en otros factores, el personaje crecía y se hacía sólido, y dejaba de ser la vieja para pasar a ser lo innombrable, un ser digamos PPPEEERRROOO pero pero pero la actriz no estaba satisfecha, le faltaba algo, no le gustaba lo que hacía, el director no lograba hacerse entender, quería sacarla del lugar típico de "la vieja" y no podía, etc... en otro momento, en otro grupo, ante el caos escénico de algunos personajes, como uno mío, habiendo comentado anteriormente yo mi observación sobre que el actor "NO DEBÍA SABER", el director Walter Rosenzwit dijo que el actor siempre tiene que saber lo que actúa, al momento de actuar, porque si no hace de todo, hace cualquier cosa, y no hace nada puntual... o sea, supongo que hay una etapa donde la búsqueda es caótica, pero otra es la de hacer crecer al personaje, supongo que... supongo tantas cosas...

hasta que Fernando Alegre,

director del espacio El Unicornio, que alquilábamos con el primer grupo que mencioné, me lo dijo simple, pedagógica, y magistralmente:

el también es artista plástico, y dijo que a veces parte de la nada, del caos y crea algo,

y otras parte de una silla y la desarma toda y termina pintando una mancha...

y que el director tiene que saber cuándo un actor necesita certezas, y cuando estar más en el aire.

... parece que entonces en un grupo, el director puede trabajar de distintas maneras con los distintos actores en sus distintos momentos creativos. tan simple que siempre se nos escapa, como la tortuga.

Sobre Lab Teatral (grupo de experimentación y producción)

Lab teatral fue un espacio de investigación teatral,
que nació y pasó a mejor vida en el 2010.

Fue grupo, fue experimento, fue prueba y error ((y aciertos!)), fue aprendizaje actoral, y fue armado de obras y escenas, fue bricolage y ensamble y fue también CREACIÓN...

Hubo una búsqueda por construir personajes de afuera hacia dentro, sin hacer hincapié en lo psicológico sino en lo estético, desde los vestuarios, desde las imágenes que generaban las posturas corporales, desde el eco y la reverberancia de los sonidos; pero también desde los impulsos INTERNOS, Y EXTERNOS: los impulsos del propio cuerpo frente al cuerpo del otro actor y compañero de escena, y frente al público...
un sólo actor tiene impulsos frente a su público, debe sincerarse y jugar con esos impulsos,
un monólogo sólo puede sostenerse si no mienten esos impulsos, puede "mentirse" la postura, la actitud, etc, pero debe buscarse el impulso.
cuando hay más de un actor, aumentan los impulsos internos, que son los DEL GRUPO, cuando nos apropiamos de ellos y los internalizamos, nacen de uno porque nacen de todos, y se genera magia teatral;
una magia de relajación tensionada, de potencia activada a cada instante, de escucha, de silencio preciso y grito justo a tiempo, de ritual antropológico, y de cuadro plástico, de tacto y forcejeo, y quiebre emocional, pero siempre teniendo en cuenta que debe haber firmeza porque se hace para un público.

ESO SOSTIENE AL RELATO,
EL RELATO SIN ESOS ELEMENTOS NO SIRVE,

A TRAVÉS DE TODOS ESOS ASPECTOS pasa la palabra, la narrativa, lo que se cuenta, a través del cómo se cuenta

{la forma, en el arte, es tanto o más importante que el contenido}

buscar el mensaje en

LA FORMA es correrse del lugar de pedagogo, de moralizador, de dador de moralejas, de fabricador de mensajes

Aportes de las teorías del lenguaje

Las teorías del lenguaje también aportan a la Sociología del Actor elementos para tener en cuenta. Pequeño extracto de la web http://coachingbarcelona.blogspot.com/2005/03/los-aportes-de-humberto-maturana-la.html

Humberto Maturana "sostiene que una cultura es una red cerrada de conversaciones y que el cambio cultural ocurre cuando se produce un cambio de conversaciones en esa red; cambio que surge, se sostiene y se mantiene en el emocionar de los miembros de la comunidad. De ello se desprende que lo humano es cultural: surge como un modo de vivir en el conversar, en redes de conversaciones, en un entrelazamiento entre el lenguajear y el emocionar. Esto significa, siguiendo a Maturana, que toda la experiencia humana se da en el momento presente; no existe una programación anterior ni obedece tampoco a intenciones"



Si bien son aportes interesantes, la Sociología del Actor NO ENTIENDE LA COMPLEJIDAD DE LAS RELACIONES SOCIALES DESDE EL ENFOQUE CONVERSACIONAL,
sino que ,
al contemplar sociológicamente al individuo,
sus círculos de pertenencia,
las relaciones sociales hechas cuerpo,
interiorizadas en el cuerpo como lenguaje operando en esferas de acción,
la teatralidad de las escenas cotidianas interpretables desde narrativas socio-culturales,...
tiene un enfoque más amplio de los escenarios en que se desarrollan las actuaciones de los agentes en la vida cotidiana.

Sociología del Actor y Psicodrama

simple,
límite interno,
y lo interno no es más que relaciones sociales hechas cuerpo,
algunas en los momentos constitutivos de nuestra personalidad,
en la infancia,
otras en otros grupos posteriores que nos dan forma como sujetos,
porque la subjetividad es un proceso creativo, porque las continuas transiciones por las que nos hilamos construyen nuestra trayectoria,

PORQUE TODO ELLO PASA, PERO EN NOSOTROS TODO ELLO QUEDA,
porque el actor tiene esos límites internos que le dan forma y sostén afectivo...

por eso el psicodrama es útil para el actor que quiere conocerse para actuar.

y su lugar en la sociología del actor es el de HERRAMIENTA PARA REFLEXIONAR SOBRE FORMAS INTERNAS, que no son otras que la que usamos para aprehender las formas y contenidos externos.
en este sentido la visión sociológica de George Simmel es la que nos puede servir como guía, él siempre se preocupó por la relación problemática entre individuo y sociedad, los límites, los aspectos formales... SOBRE ESTO AMPLIARÉ EN OTRO MOMENTO.

Más sobre psicodrama y CREACIÓN.

Unas palabras de Carlos Martínez-Bouquet que Junto a Pavlovsky y Rojas Bermúdez fundó en 1963 la Asociación Argentina de Psicodrama. Las saqué de una entrevista en Página 12 el Lunes, 6 de diciembre de 2010


" Dentro y fuera de nosotros hay escenas. No las escenas que puedan ser escritas sino las que puedan ser sentidas. Yo llamo a eso: escenas latentes. ¿Por qué latente? Porque en psicoanálisis se habla de contenido manifiesto y contenido latente. Contenido manifiesto: lo que el paciente dice con palabras. Contenido latente: lo que puede pescar el psicoanalista, que está en el inconsciente de ese paciente. Al teorizar sobre la escena me di cuenta de que todo el tiempo estamos metidos en escenas latentes y que de ahí aparecen conductas. Además, cuando yo le pedía a un paciente o a un grupo que dramatizara algo, lo que quería era que pudieran emerger escenas latentes... Una persona puede tener dificultad para recibirse como universitario, por ejemplo. Yo puedo hacer distintas dramatizaciones. Por ejemplo: que camine por una línea hasta llegar a un punto. Supongamos que la persona debe las últimas dos materias y no las da, evita llegar al título... Esa persona camina por la línea para llegar al punto y ahí le pregunto qué siente. Puede decir que está apurándose para recibirse y que quiere llegar y antes de arribar al punto dice que siente un ahogo, una presión, un miedo... y ahí aparece parte de su historia, el psicodrama posibilita descubrir algo que estaba oculto para ponerlo en palabras. Pueden surgir miedos o la culpa por estar superando al padre que nunca había sido profesional. Y si no resuelve esto quizá nunca se reciba... "

(...)
"me llevó a hacer teoría sobre el proceso creador. Ahí descubrí cuál es la parte activa de un pintor y cuál es la parte receptiva. El personaje activo que está pintando pone un color en la tela, luego mira. De acuerdo a cómo mire se verá cuál predomina. Si está predominando el enemigo interno puede abortar el proceso creador. Cuando alguien que hace una actividad creativa como la pintura, la escritura, la música u otra, siente internamente que una voz le dice: ¿por qué no te dedicás a hacer otra cosa?, está siendo atacado por el enemigo interno. Si, en cambio, está feliz por el hecho de hacer algo creativo y siente que eso es bueno, es que está recibiendo el beneficio de la fuente interna de cariño.
Yo he llegado a preguntarle a una persona que se dedicaba a la arquitectura: “¿Vos tenías una abuela pintora?” y sí la tenía, y yo veía como eso es algo bueno que ese hombre había recibido cuando en su infancia... "

(...) "La parte técnica, práctica, activa, se enseña en los talleres, pero hace muchos años que descubrí que esta otra parte {CRÍTICA} no se suele ver en los talleres creativos o en las carreras relacionadas con el arte y la creación"

(...)–¿Cuáles son los seis pasos del proceso creador?

"1)*El primer paso es la inspiración.
2)*El segundo paso es el juego libre y sin finalidad formal (tomar la tela y poner colores, por ejemplo).
3)*El tercer paso: núcleo de organización de esos colores.
4)*Cuarto paso: organización de todos esos núcleos en una totalidad. Todo esto es en un laboratorio o taller.
5)*El quinto paso ya está afuera de ese taller y es la exposición de esa obra en la escuela, en un salón o donde sea. Es como el parto, de adentro hacia afuera.

6)**Y el último paso, que sólo las obras geniales lo tienen, es el pasaje de la pertenencia de la obra a la humanidad. Si el quinto paso es el parto, el sexto es cuando el niño o niña crece y esa persona ya tiene vida independiente"

Dice Tato Pavlovsky:

Extracciones de una entrevista al psicodramatista, médico, dramaturgo, actor, director, pensador,etc, etc, tatatatattatattoooo pavlovsky, (http://www.cbanoticias.net/cultura/pavlovsky-hacia-una-identidad-cultural/2542630).
"–En su teatro, usted emplea mucho la psicología en sus personajes…

–Sobre eso me gustaría aclarar algo. Yo soy formado psicoanalíticamente con uno de los mejores psicoanálisis, el mejor latinoamericano: el psicoanálisis en Argentina es muy bueno. Yo no creo que el psicoanálisis le haya dado mucho al teatro. Yo creo que el teatro me aportó a la psicología. Me hizo primero ensayar, ser actor, poner el cuerpo, tener miedo, tener pánico, sentirte huérfano, volverte loco, tener celos y rivalidades, transferencias.

Todo ese proceso calamitoso que uno siente en los ensayos –y tan creativo– a mí me abrió la cabeza. El primer libro que escribí, el primer libro que se escribió en psicoterapia de grupos de niños y adolescentes en castellano lo escribí yo en 1967, no me cabe la menor duda que los seis años de teatro que hice me abrieron la cabeza. "


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(...) "Yo pienso, y también lo dice Italo Calvino, que cuando yo escribo un artículo, sea político, psicológico, artístico o deportivo, no hago sino recrear ese espacio lúdico donde ensayé la imaginación. Ensayar la imaginación no tiene nada que ver con el psicoanálisis. El psicoanálisis habla de lo imaginario, que es un concepto lacaniano. Esto no tiene nada que ver: es ensayar la imaginación. Es una potencia de invención. No quisiera teorizar sobre esto, pero esa potencia de invención es transformadora. "

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Sobre el psicodrama (http://rosarey.biocultural.net/contenido/la-sesion-de-sicodrama)

El sicodrama es un instrumento psicoterapéutico complejo constituido por un sistema de cinco instrumentos fundamentales: director, protagonista, yo-auxiliar, escenario y auditorio.

La sesión de sicodrama se realiza en tres etapas: caldeamiento, dramatización y comentarios.

Se denomina caldeamiento al conjunto de procedimientos que intervienen en la preparación de un sujeto o grupo para que se encuentre en condiciones de actuar. Con las técnicas de caldeamiento se busca la retracción del SMS. Al iniciar la sesión de sicodrama se realiza un caldeamiento inespecífico, destinado a enfocar la atención del auditorio, disminuir la tensión y facilitar la interacción. Más adelante se realizará un caldeamiento específico con el protagonista emergente del grupo en el escenario.

La dramatización es la segunda etapa de la sesión. El protagonista sugiere el tema, situaciones y personajes a dramatizar. El director los encuadra según la metodología sicodramática y elabora una hipótesis en la que basar una dramatización destinada a producir cambios en el o los protagonistas dentro de un marco terapéutico.

Finalmente, durante los comentarios y análisis, la atención se enfoca en el auditorio solicitando opiniones y comentarios sobre la dramatización, el protagonista y ellos mismos

la atención se enfoca en el auditorio, la atención

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LA ATENCIÓN SE E-N-F-O-C-A EN EL AUDITORIO...